Diálogos entre el cine la pintura (XIII) – Goya: una doble aventura

El 17 de marzo del año 1987 tuvo lugar la primera edición de la gala de entrega de los premios Goya. Unos galardones otorgados por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, el hecho de que una academia dedicada al mundo del cine elija la figura de Goya para nombrar sus premios indica el enorme peso que la obra del pintor ha tenido, y tiene, sobre el séptimo arte. En palabras de Carlos Saura: “No tengo la menor duda de que si Goya viviera hoy sería un cineasta. Entre la ficción y el documental se movería nuestro aragonés con la misma energía y desenvoltura, con el mismo talento, con la misma imaginación con la que siglos atrás dedicó una parte de su vida a dibujar y a pintar. Amigo de “ilustrados”, amante de la música antes de su sordera, hombre preocupado por su tiempo, observador implacable de la realidad, apasionado por la vida y por un trabajo que era, al mismo tiempo, necesidad expresiva y crónica de su propia vida. Era un cineasta creativo y poderoso antes de inventarse el cine. Por ello nada más acertado que llamar Goya a los premios de nuestra Academia de Cine”.

La influencia de Goya es notable en centenares de películas, su pintura ha sido estudiada por los directores de fotografía buscando adaptar su manejo de la luz a las posibilidades que ofrece el cine. Los directores se han fijado en los enfoques y en la disposición formal de los elementos en sus pinturas para construir los retratos de los personajes y los encuadres de los planos en numerosas películas. Pero más allá de la posible inspiración formal que el aragonés haya podido ofrecer a los cineastas, está el impulso de la creación. Goya representa una fuerza creativa arrolladora, un espíritu inconformista que anticipa la modernidad explorando nuevos lenguajes con los que se adelanta a su tiempo. Su ingenio transgrede lo establecido, combinado con una mirada crítica, y en ocasiones amarga, haciendo gala también de un sentido del humor irónico que denuncia la moral imperante y la hipocresía. Más de un siglo antes de que se inventara el cinematógrafo, Goya ya estaba sentando algunas bases fundamentales del cine de vanguardia menos acomodaticio.

Lugar: salón de actos del Museo Arqueológico de Asturias.
Entrada: libre hasta completar aforo.

Goyescas (Benito Perojo, 1942)

Título original: Goyescas  Año: 1942 | Duración: 102 min. | País: España. | Director: Benito Perojo | Guión: Fernando Periquet, Benito Perojo (Diálogos: Luis de Vargas, Antonio Quintero, Rogelio Perioult) | Producción: Joaquín Goyanes para Universal Ibero Americana de Cinematografía | Fotografía:  Michel Kelber, Cecilio Paniagua (B&N) | Reparto: Imperio Argentina, Rafael Rivelles, Xan das Bolas, Armando Calvo, Juan Calvo, Antonio Casas, Marta Flores, Manolo Morán, Ramón Martori, Manuel Requena.

 

Sinopsis: Madrid, entre fines del siglo XVIII y principios del XIX. Petrilla es una de las más célebres tonadilleras de la ciudad, su asombroso parecido físico con la condesa de Gualda provoca, incluso, que ambas sean confundidas por sus conocidos. Los destinos de ambas mujeres se ven unidos cuando se enamoran del mismo hombre.

Benito Perojo adapta para la pantalla la ópera Goyescas, de Enrique Granados. El compositor se inspiró en la serie de grabados Los Caprichos y en los cartones que Goya realizó para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara entre los años 1775 y 1792. El ambiente alegre del Madrid dieciochesco se refleja en algunos de estos cartones, así como estampas campestres o de caza. La película traslada al cine con sumo cuidado toda esa iconografía, para ello contó con un elevado presupuesto destinado a lograr recrear con detalle todos los aspectos del vestuario y peluquería de aquella época plasmado en las obras de Goya. Se percibe, además, el empeño y el esmero dedicado a la construcción de los decorados en un esfuerzo sin precedentes dentro de la industria española. Imperio Argentina, en pleno momento de esplendor, interpreta a los dos personajes femeninos protagonistas. El Festival de Venecia premió esta cinta en el año 1943.

 

Lugar: salón de actos del Museo Arqueológico de Asturias.
Entrada: libre hasta completar aforo.

Llanto por un bandido

Título: Llanto por un bandido  Año: 1964 | Duración: 100 min. | País: España. | Director: Carlos Saura | Guión: Carlos Saura, Mario Camus | Producción:  José Luis Dibildos | Fotografía:  Juan Julio Baena | Reparto: Francisco Rabal, Lea Massari, Philippe Leroy, Lino Ventura, Manuel Zarzo, Agustín González, Fernando Sánchez Polack, José Manuel Martín, Venancio Muro, Luis Buñuel, Antonio Buero Vallejo.

 

Sinopsis: Biografía del bandolero español “El Tempranillo” que durante los primeros años del siglo XIX vivió por la Serranía de Ronda. Dedicado al robo desde muy joven, con el tiempo forma su propia banda especializada en el asalto a diligencias y carruajes. Su mujer intenta que abandone esa vida para evitarle un trágico final, y también los liberales tratan de atraerle a su causa para que luche contra los partidarios del rey Fernando VII.

Carlos Saura compitió con su primer largometraje, Los golfos, en el Festival de Cannes. Llanto por un bandido es su segunda película y en ella se aleja de aquella ópera prima aceptando un encargo del productor para llevar al cine la vida del bandido “José María El Tempranillo”. En el papel protagonista está nada menos que Francisco Rabal, que en aquella época ya había trabajado con Buñuel y era toda una estrella. De hecho, el propio Buñuel hace un pequeño cameo al principio de la película en el papel de verdugo. Junto al director de Viridiana, otra de las grandes influencias de Saura para la puesta en escena de esta película es Goya, curiosamente los tres son aragoneses. Gran parte de la ambientación de la cinta sale de la obra del pintor, llegando incluso a recrear directamente en pantalla una de las pinturas negras conocida como La riña o Duelo a garrotazos. La película, de la que el propio Saura renegó durante años, fue candidata al Oso de Oro en el Festival de Berlín en 1964.

 

Lugar: salón de actos del Museo Arqueológico de Asturias.
Entrada: libre hasta completar aforo.

El fantasma de la libertad (Luis Buñuel, 1974) V.O.S.

Título original: Le fantôme de la liberté  Año: 1974 | Duración: 104 min. | País: Francia. | Director: Luis Buñuel | Guión: Luis Buñuel, Jean-Claude Carrière | Producción: Ulrich Picard, Serge Silberman | Fotografía: Edmond Richard. | Reparto: Michel Piccoli, Jean Rochefort, Michael Lonsdale, Monica Vitti, Adriana Asti, Julien Bertheau, Jean-Claude Brialy, Adolfo Celi, Paul Frankeur, Pierre Maguelon, François Maistre, Hélène Perdriére.

 

Sinopsis: Una vez más la burguesía y el orden establecido se ponen en solfa bajo la mirada de Buñuel. Diferentes historias, desde al siglo XIX hasta la década de 1970, se entrelazan conectadas de forma tangencial a través de la situaciones que abordan o de sus protagonistas. Una escuela de gendarmes, un hotel rural y sus peculiares huéspedes o un grupo de soldados franceses en la catedral de Toledo protagonizan estas viñetas surrealistas que conforman una película de culto imprescindible.

Tras los años de exilio mexicano, Buñuel regresa a Europa para establecerse en Francia por segunda ocasión, tras la célebre etapa de juventud surrealista. En 1973, con El discreto encanto de la burguesía, logra su primera candidatura al Óscar como guionista, y la cinta se lleva el premio a mejor película en habla no inglesa. Estos son años de colaboración con el guionista Jean-Claude Carrière, con el que escribió seis guiones y un fascinante volumen de memorias llamado Mi último suspiro. Una pintura de Goya, El 3 de mayo de 1808 en Madrid, sirve para iniciar la que sería su penúltima película, en ella se encuentran los ingredientes esenciales de la obra de Buñuel, ligados algunos también al universo de Goya: el humor negro, un cierto regusto por lo macabro, la provocación y lo irreverente como herramienta para poder cuestionar aquellas cosas que socialmente son intocables. También aparecen los sueños, la ruptura de tabúes y las diferencias de clases.

Goya en Burdeos (Carlos Saura, 1999)

Título: Goya en Burdeos  Año: 1999 | Duración: 104 min. | País: España. | Director: Carlos Saura. | Guión: Carlos Saura. | Producción: Andrés Vicente Gómez, Fulvio Lucisano | Fotografía: Vittorio Storaro. | Reparto: Francisco Rabal, José Coronado, Maribel Verdú, Eulalia Ramón, Dafne Fernández, Mario de Candia, Azucena De La Fuente, Franco di Francescantonio, Borja Elgea, Emilio Gutiérrez Caba, Josep Maria Pou, Saturnino García, Carlos Hipólito.

 

Sinopsis: Desde su exilio en Burdeos, un anciano Francisco de Goya, rememora diferentes pasajes de su vida. Allí vive con su amante, Leocadia Zorrilla de Weiss y su hija Rosario, a la que le cuenta parte de sus experiencias vitales, no exentas de amores, intrigas, conspiraciones políticas, fama y amarguras.

La figura del pintor aragonés ha sido objeto de diversas adaptaciones al cine, con resultados muy desiguales. El propio Luis Buñuel desarrolló por encargo un proyecto para llevar la vida de su paisano a la pantalla, sin lograr culminarlo. Podemos decir que Carlos Saura ha sido el cineasta que más afinado ha estado en esta tarea. Saura siempre ha citado al artista como una fuente constante de inspiración y no resulta complicado encontrar rastros goyescos en su trayectoria. Para este fin, el director, contó con Francisco Rabal, que ya había encarnado al personaje en dos ocasiones anteriores, y con José Coronado. Ambos se meten en la piel de Goya en dos momentos diferentes de su vida. El maestro Vittorio Storaro, uno de lo más reputados directores de fotografía de la historia del cine, aporta su luz a la película buscando recrear los ambientes en los que vivió el pintor y que le sirvieron de referencia a su obra.

José Ramón Cuervo-Arango. La mirada poética

Con motivo de la exposición que el Museo de Bellas Artes de Asturias dedica al fotógrafo José Ramón Cuervo-Arango, del 7 de marzo al 5 de mayo de 2019, la segunda de las conferencias programadas para el primer cuatrimestre del 2019 correrá a cargo de Eduardo Momeñe, fotógrafo, historiador del arte y uno de los teóricos de la fotografía más destacados del panorama nacional contemporáneo.

En esta ponencia, Momeñe abordará la atractiva y personal obra de José Ramón Cuervo-Arango. Un fotógrafo cuya trayectoria es tildada por el propio Momeñe de heredera de una tradición capaz de comprender la capacidad de la mirada para leer la potencia de la presencia del mundo. Una tradición que, a su parecer, está inmersa en la mejor fotografía y que, por ello, exige un hacer riguroso.

Eduardo Momeñe (Bilbao, 1952) es autor de artículos y ensayos sobre la estética fotográfica. En este sentido, la enseñanza de la fotografía ha ocupado un lugar destacado en su trayectoria profesional. Momeñe ha impartido numerosos cursos, talleres y, también, seminarios sobre la teoría y la práctica fotográfica. Sin embargo, la trayectoria profesional del teórico e historiador abarca otros y más variados campos. Es por ello que es preciso citar su participación en otros proyectos como la serie de televisión La Puerta Abierta o la revista Fotografías.

En lo que a su labor como fotógrafo se refiere, su primera exposición fue realizada en el año 1974 en la Galería Nikon de Barcelona. Ya en 2018, realizaba la última en la Galería Luis Burgos de Madrid. Sus fotografías forman parte de colecciones públicas y privadas y han estado presentes, también, en exposiciones internacionales. Revistas como Vogue, Marie Claire, Elle o Style han publicado sus imágenes de moda, ilustración y retrato. Asimismo, es autor de los libros 11 fotógrafos españoles, La visión fotográfica, Las fotografías de Burton Norton y El placer de fotografiar. Finalmente, Eduardo Momeñe es editor (AfterPhoto) del libro Pam / Plossu., y su fotografía de estudio se encuentra editada por La Fábrica en la colección PHotoBolsillo.

Entrada: libre hasta completar aforo.

Francisco de Goya a través del “Fernando VII” del Museo de Arte de Santander (MAS): una acrópolis interpretativa, a cargo de Salvador Carretero.

Francisco de Goya y Lucientes está considerado como uno de los grandes maestros de la pintura universal. Es por ello que la llegada de la Obra invitada, Retrato de Fernando VII, procedente del MAS, resulta un acontecimiento a destacar en nuestra programación.

El encargado de profundizar en dicha obra, así como en la figura del genio aragonés, será Salvador Carretero, Director del MAS, Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria.

En su ponencia, Carretero repasará la biografía y producción de Francisco de Goya, centrándose especialmente en el análisis y contextualización del retrato de Fernando VII, pintura realizada por el artista en 1814 y que se expondrá en el Museo de Bellas Artes de Asturias entre el 14 de marzo y el 2 de junio de 2019.

Salvador Carretero Rebés (Gijón, 1959) dirige desde hace veintiún años el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander, un centro que desde su llegada ha afrontado un profunda reforma, tanto en aspectos relacionados con el propio inmueble como en la línea artística e investigadora. En ese sentido, Carretero puso en marcha un ambicioso programada de actividades con la que ha conseguido duplicar los fondos de la colección y atraer a sus salas artistas y proyectos de distintos ámbitos geográficos y tendencias artísticas.

El misterio transparente. Una lectura de Luis Fernández

La primera de las conferencias de este cuatrimestre está dedicada a la figura de Luis Fernández, artista nacido en Oviedo en 1900 pero cuya obra debemos situar en el París vanguardista de mediados del siglo XX.

Con motivo de la presencia de la Obra invitada, Portrait (Retrato), procedente del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el escritor Javier Almuzara dará una ponencia titulada El misterio transparente. Una lectura de Luis Fernández en donde, tomando como referencia la pintura invitada, ahondará en la obra y figura de Fernández.

“El secreto del genio está en la mirada inquieta de una infancia recobrada a voluntad. Dice Ángel Crespo que quien no descubre el mundo todos los días no lo ha visto nunca. El de Luis Fernández está hecho de recurrencias que alcanzan en su obra la categoría de emblema y fetiche, porque todo arte verdadero es sagrado y trascendente. Todo es consabido y en todo alienta el extrañamiento metafórico, esa respiración que nos damos, no para huir de la belleza, sino para sobrevivir a ella. El ascético despojamiento y la naturaleza esencial de los iconos de Luis Fernández le hablan a una inteligencia conmovida. Con obsesivo perfeccionismo y paciencia mineral parecen surgir de una honda noche metafísica. Los motivos son de una abrumadora y cabal sencillez: Rosa, vela y calavera figuran la vida, el tiempo y la muerte, pero su nitidez exenta no se agota en esa inmediata equivalencia. Nos detendremos ante la detenida perfección de la obra de Luis Fernández con acatamiento escolar para salir al patio del mundo iluminados por la oscura belleza que trasciende sus graves certidumbres.” Javier Almuzara

Javier Almuzara (Oviedo, 1969) ha publicado los libros de poemas El sueño de una sombra (Oliver, 1990); Por la secreta escala (Renacimiento, 1994); Constantes vitales (Visor, 2004), con el que obtuvo el Premio Emilio Alarcos; Caravana y desierto (Renacimiento, 2014), una colección de recreaciones líricas a partir de las rubayatas de Omar Jayyam; Quede claro: Antología poética 1989-2013 (Renacimiento, 2014), donde se incluye el poemario inédito Siempre y cuando; y A la de tres (Renacimiento, 2017), colección de haikus. Es también autor del dietario Letra y música (Llibros del Pexe, 2001), de la prosa miscelánea Títere con cabeza (AMG, 2005), que consiguió el Premio Café Bretón, y del libro de ensayos Catálogo de asombros (Impronta, 2012). Fue codirector de la revista Reloj de arena, y colabora habitualmente en Clarín: Revista de nueva literatura y El Cuaderno, entre otros medios. También es guionista de Manos a la ópera, programa divulgativo de la Televisión del Principado de Asturias. Es autor del libreto de la ópera Fuenteovejuna (Ediciones Espuela de Plata, 2018) que, con música de Jorge Muñiz, inauguró en el Teatro Campoamor la temporada de la Ópera de Oviedo 2018-2019.

Entrada: libre hasta completar aforo.

Visitas Generales

Visitas guiadas para público general y adulto

Concebidas para una primera aproximación del público al Museo, esta serie de visitas presentan la institución, su historia, sus sedes y los tesoros de su colección, en base a tres recorridos distintos:

Obras Maestras del Palacio de Velarde

Este recorrido incluirá, de forma habitual, obra de algunos de los siguientes artistas: Maestro de Palanquinos, Juan Correa de Vivar, Yáñez de la Almedina, Veronés, El Greco, Zurbarán, Ribera, Murillo, Carreño de Miranda, Goya, los Meléndez, Pérez Villaamil, Phillip, Pinazo, Beruete, Sorolla…

Fechas: 19 de enero, 23 de febrero y 13 de abril de 2019 a las 12:00.
Punto de encuentro: recepción del Palacio de Velarde.

Obras Maestras de la Casa de Oviedo-Portal

Este recorrido incluirá, de forma habitual, obra de algunos de los siguientes artistas: Fierros, Pérez del Valle, Álvarez Catalá, León y Escosura, Suárez Llanos, Pérez Villaamil, Goya, Uría, Martínez Abades, Menéndez Pidal, Truan, Clifford…

Fechas: 26 de enero y 16 de abril de 2019 a las 12:00.
Punto de encuentro: recepción del Palacio de Velarde.

Obras Maestras de la Ampliación

Este recorrido incluirá, de forma habitual, obra de algunos de los siguientes artistas: Joaquín Sorolla, Darío de Regoyos, José Ramón Zaragoza, Hermen Anglada-Camarasa, Evaristo Valle, Nicanor Piñole, Aurelio Suárez, Luis Fernández, Picasso, Dalí, Miró, Navascués, Tàpies, Barceló,…

Fechas: 16 de febrero, 23 de marzo y 27 de abril de 2019 a las 12:00.
Punto de encuentro: recepción del Edificio Ampliación.

 

No es necesario reservar.

GRUPOS: cada uno estará formado por un máximo de 25 participantes.

ENTRADA: entrada y actividad gratuita.

Un domingo, dos cuadros

Visitas guiadas para público adulto

Este ciclo de visitas plantea un análisis pormenorizado de dos obras de la colección, relacionadas entre sí por su autor, temática, género, estilo o época.

  • Dos figuras, de Alberto Sánchez y La soga, de José Caballero. 29 de enero. Punto de encuentro: recepción del Edificio Ampliación .
  • Estudio para “Pompas de jabón”, de Ignacio Pinazo y Retrato de Carmen, de Francisco Bores. 17 de febrero. Punto de encuentro: recepción del Palacio de Velarde.
  • Testamento de Cervantes, de Eduardo Cano de la Peña y El arco del rey Casto en la Catedral de Oviedo, de José Uría y Uría. 17 de marzo. Punto de encuentro: recepción del Palacio de Velarde.
  • El príncipe Don Carlos, de Sofonisba Anguissola y San José y el Niño, de Angelica Kauffman. 14 de abril. Punto de encuentro: recepción del Palacio de Velarde.

 

INSCRIPCIÓN: se iniciará a las 9 horas del lunes de la semana en que se desarrollen la/s visita/s (excepto festivos, en que pasará al siguiente día laborable) y podrá realizarse de lunes a viernes de 9:00 a 14:00, a través del teléfono 985 21 20 57 o del correo electrónico visitantes@museobbaa.com.

Sólo en los casos en que, finalizado el periodo de inscripción establecido, quedaran plazas libres, estas se podrán cubrir en el mismo momento de la visita en la Recepción del Museo, respetando el orden de llegada.

GRUPO: cada uno estará formado por un máximo de 25 participantes.

ENTRADA: entrada y actividad gratuitas.