Colección Masaveu. Objeto y naturaleza. Bodegones y floreros de los siglos XVII y XVIII.

Colección Masaveu. Objeto y naturaleza. Bodegones y floreros de los siglos XVII y XVIII presenta una selección significativa de las naturalezas muertas pertenecientes a la Colección Masaveu, uno de sus núcleos temáticos más coherentes tanto por su número como por su calidad.

Para esta ocasión, se han seleccionado las piezas más sobresalientes del Barroco y la Ilustración con el objetivo de ofrecer un panorama representativo de calidad del origen y la evolución de uno de los géneros pictóricos más extendidos en la tradición occidental. Así, la muestra se ha completado con fondos de la propia Fundación María Cristina Masaveu Peterson y de la Colección Pedro Masaveu Peterson.

Dividida en cuatro secciones, Colección Masaveu. Objeto y naturaleza. Bodegones y floreros de los siglos XVII y XVIII recorre el devenir del género de la naturaleza muerta. Así, a través de las obras de algunos de los más renombrados artistas consagrados al género, esta exposición propone al público un trayecto único de siglo y medio por el bodegón español.

La muestra podrá disfrutarse en la planta -1 del Edificio Ampliación desde el 30 de septiembre de 2022 al 8 de enero de 2023.

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Vestido tipo kimono para Yves Saint Laurent, h. 2000

El Programa La Obra invitada tiene como misión traer al Museo de Bellas Artes de Asturias durante un periodo de tres meses destacadas obras procedentes de coleccionistas particulares o de otras instituciones nacionales e internacionales que contribuyan a reforzar el discurso de la colección permanente, bien porque permitan profundizar en aspectos ya contemplados por la colección, bien porque permitan cubrir lagunas que en ella puedan detectarse.

Con motivo del 60 aniversario del primer desfile del diseñador Yves Saint Laurent (Orán, Argelia, 1936-París, 2008), el Museo de Bellas Artes de Asturias se suma a las celebraciones que muchos museos franceses (Musée Picasso de Paris, Centre Georges Pompidou, Musée du Louvre, Musée d’Art Moderne, Musée d’Orsay y el Musée Yves Saint Laurent) están llevando a cabo para traer como obra invitada una pieza textil que dialogue con su colección pictórica. En esta ocasión, se trata de un vestido tipo kimono para Yves Saint Laurent, un prototipo de Tom Ford diseñado en torno al año 2000, en el que el peso oriental que marcó algunas de las colecciones míticas del creador nacido en Orán conducirá el diálogo con uno de los autores de la colección permanente del museo asturiano, el japonés Léonard Tsuguharu Foujita.

El Museo de Bellas Artes de Asturias apuesta, por segunda vez, por la moda en el convencimiento de la constante relación que, en muchos creadores, la une a la pintura. En esta ocasión, lo hace a través de la figura de Yves Saint Laurent, destacado coleccionista y amante del arte en cuyas creaciones hay ecos y pesos de grandes artistas como Goya, Picasso, Mondrian o Braque, entre otros.

El vestido, procedente del Museo del Traje de Madrid, podrá contemplarse en la sala 23 del Edificio Ampliación del 10 de noviembre de 2022 al 12 de febrero de 2023.

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Armando Pedrosa. Del punto a la línea. De la línea al plano. Del plano al espacio

Armando Pedrosa nació en Oviedo en 1941. Allí estudió en el taller de Eugenio Tamayo. Diplomado más tarde en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, viajó a Francia, Italia, Inglaterra y los Estados Unidos, completando con ello su formación artística. Durante los años posteriores, Pedrosa recibió diferentes becas que le permitieron seguir formándose y vivir en ciudades como Londres, Madrid o Nueva York.

Actualmente, y con una larga y consolidad trayectoria sus espaldas, Armando Pedrosa ha desarrollado para el Museo de Bellas Artes de Asturias la exposición Del punto a la línea. De la línea al plano. Del plano al espacio, una propuesta madura y actual en la que el artista ovetense proyecta el camino andado, pero también las sendas que aún están por transitar.

La muestra creada en ex profeso para el museo asturiano podrá disfrutarse en las salas y patio de la planta baja del Palacio de Velarde desde el 22 de noviembre de 2022 hasta el próximo 23 de febrero de 2023.

 

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Line Heat, de Richard Serra

El programa La Obra invitada tiene como misión traer al Museo de Bellas Artes de Asturias durante un periodo aproximado de tres meses destacadas obras procedentes de coleccionistas particulares o de otras instituciones nacionales e internacionales que contribuyan a reforzar el discurso de la exposición permanente. En algunos casos la elección permite profundizar en aspectos ya contemplados en la propia colección de la institución y, en otros, permite cubrir lagunas que en ella puedan detectarse.

Esta nueva Obra invitada constituye una ocasión singular en el contexto de este programa, ya que en lugar de tratarse de una única obra, serán siete las piezas que mostremos, a modo de micro-exposición. Ésta la protagoniza Line Heat (2000) uno de los aguafuertes de gran formato más destacados en la producción de Richard Serra; y en torno a ella se exponen otros seis grabados que contextualizan y enriquecen el acercamiento a la obra gráfica de uno de los más notables escultores del panorama actual.

Richard Serra (San Francisco, 1939) sobresale en el panorama artístico de la segunda mitad del siglo XX como uno de los principales exponentes del llamado “post-minimalismo”. Si bien la escultura constituye su principal medio de expresión, Serra ha realizado un gran número de estampas que trasladan su lenguaje escultórico a las dos dimensiones. Los aguafuertes invitados reúnen las principales características de su producción gráfica: monumentalidad; monocromía en negro; y tratamiento “escultórico” del grabado, visible en la fuerza y expresividad de sus líneas y volúmenes, y en el interés por reflejar los conceptos de peso, masa y materia en contraste con la ligereza del soporte papel.

La nueva Obra invitada constituye una ocasión única para contemplar obra gráfica de Richard Serra, artista ausente en las colecciones del Museo y que completa la panorámica que nuestra institución ofrece de las manifestaciones artísticas regionales, nacionales e internacionales más recientes. A la novedosa presencia de Serra en el Museo se une el hecho de que este conjunto, procedente de una colección particular, se expone por primera vez al público, que podrá contemplarlo en la Sala 11 desde el 9 de junio hasta el 30 de octubre de 2022.

Marina Abramović . Retrato y performance en la colección fundación María Cristina Masaveu Peterson

Marina Abramović (Belgrado, 1946) es una de las protagonistas indiscutibles del desarrollo del arte de la performance durante las últimas cinco décadas, cifrando el arranque de su trayectoria en los primeros compases de los años setenta del siglo XX. Y para estrechar más el círculo, pues se trata de un concepto muy abierto a prácticas y contextos en ocasiones sumamente dispares, lo primero que hay que señalar es que Abramović, al inicio sola, luego junto a su compañero Ulay, y finalmente otra vez sola, se ciñó al que podría considerarse rango más puro de esta práctica: el que hace del cuerpo el sujeto y objeto de la obra, el instrumento que aparece marcado, connotado, situado y también manipulado en un escenario público o en un ámbito privado, que pasa a ser documentado mediante fotografías, películas o cintas de vídeos, y que por lo tanto se presenta como una prolongación sin apenas cortes de determinadas variantes del Body art. A ello es a lo que se abrazó la artista serbia desde sus inicios y por cuyo camino ha seguido transitando hasta la actualidad. Y además, dentro de esta manera de encarar su propia cosmovisión, Abramović optó por hacerse una performer más cercana al giro ritualista de otros colegas suyos, y en su caso con una vertiente incluso más ascética que los demás, que al de la performance como mera tarea o acción, en la que se encuadraron otros creadores de su generación igualmente importantes.

La presente exposición, concebida como una pequeña pero selecta muestra, y que acoge la sala de exposiciones temporales del Museo de Bellas Artes de Asturias, reúne un total de nueve obras de Marina Abramović pertenecientes a la Colección Fundación María Cristina Masaveu Peterson y a la colección particular de su presidente, Fernando Masaveu Herrero, que de un modo u otro plasman esto que se está diciendo. Las mismas, además, abarcan un extenso periodo de trabajo de la artista que va de 1977, cuando junto a Ulay realizó algunas de las performances más trascendentales de su carrera y de todo el panorama artístico de su época, como Relation in Time, Interruption in Space y Breathing in-Breathing out, hasta 2018, fecha a la que pertenece una magnífica pieza concebida a modo de autorretrato de la propia creadora. Son por otra parte una excelente representación de la colección de la Fundación María Cristina Masaveu Peterson que, heredera de la tradición coleccionista y de mecenazgo de la familia Masaveu, se centra especialmente en el arte contemporáneo, con piezas de artistas jóvenes o emergentes pero también consagrados como la propia Abramović, Premio Princesa de las Artes 2021. Con ellas, y a través de este nuevo proyecto expositivo, Fundación y Museo consolidan su apuesta por el trabajo en red y colaborativo entre las dos instituciones, que tan buenos frutos ha dado y seguirá dando en un futuro.

 

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El factor prado: los depósitos del Museo Nacional del Prado en el Museo de Bellas Artes de Asturias

La estrecha y fructífera relación entre el Museo de Bellas Artes de Asturias y el Museo Nacional del Prado se ha concretado de diversas maneras a lo largo del tiempo. En este sentido, no cabe duda de que la más importante ha sido el gran número de depósitos que el Prado ha ido haciendo durante años en nuestra institución, hasta alcanzar la cifra actual de 55 obras, divididas en 50 pinturas y 5 esculturas, que recorren algunas de las páginas más interesantes de la historia del arte asturiano y español comprendidas entre los siglos XVI y XX. De hecho, desde 1889, año del primer depósito realizado en este caso al Museo de Pinturas de la Academia Provincial de Bellas Artes de San Salvador de Oviedo, de cuyos fondos se nutre la actual colección del museo asturiano, hasta 2022, en el que se han efectuado los nueve últimos, esa relación ha sido fluida y constante, teniendo en 1990 un momento decisivo con la incorporación de una veintena de obras.

Con la presente exposición, que recoge una selección cuantitativa y cualitativamente importante de esos depósitos, se pretende mostrar el papel decisivo que esta política de apoyo y refuerzo de nuestras colecciones por parte de la principal pinacoteca de nuestro país ha tenido en el crecimiento y progreso de nuestra institución. A ello alude precisamente el término “factor” presente en el título y que hay que entender como esa especie de circunstancia que contribuye a dar con un producto, pero también como ese elemento que se suma o multiplica con otro para obtener un resultado. Y es este efecto multiplicador que han tenido las aportaciones del Museo del Prado sobre nuestra institución, en cuanto a la mejora y esplendor de sus colecciones, el que se pretende resaltar con esta muestra y el catálogo que la acompaña.

La exposición, presente en el museo asturiano desde el 21 de julio a 30 de octubre de 2022, está comisariada por Gabino Busto Hevia, Conservador de arte antiguo del Museo de Bellas Artes de Asturias.

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RETRATO DE CARLOS MARIA BROSCHI, FARINELLI, DE JACOPO AMIGONI

El programa La Obra invitada tiene como misión traer al Museo de Bellas Artes de Asturias durante un periodo aproximado de tres meses destacadas obras procedentes de coleccionistas particulares o de otras instituciones nacionales e internacionales que contribuyan a reforzar el discurso de la colección permanente. En algunos casos la elección permite profundizar en aspectos ya contemplados en la propia colección de la pinacoteca y, en otros, permite cubrir lagunas que en ella puedan detectarse.

Gracias al reciente enriquecimiento de la colección rococó del museo asturiano, la nueva Obra invitada del artista Jacopo Amigoni (Venecia, hacia 1682 – Madrid, 1752) supone un paso más en el conocimiento y profundización del citado periodo histórico-artístico a través del retrato de Carlo Maria Broschi, Farinelli.

La pintura, confeccionada por uno de los artistas más representativos del estilo rococó en Europa hacia 1750 y procedente del Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, representa al más famoso castrato de la historia de la música: Farinelli.

Nacido en Andria, en el reino de Nápoles, Carlo Maria Broschi (1705-1782) fue admitido en el conservatorio del célebre Porpora y pronto llamó la atención de una acomodada familia de melómanos, los Farina, que le brindaron protección y le dieron su nombre artístico. Aun siendo un joven adolescente, Broschi comenzó sus aclamadas giras por Italia y otros países. Después de tres temporadas triunfales en Londres, fue llamado a la corte española por la reina Isabel de Farnesio. Durante el reinado de Fernando VI, Farinelli dirigió toda la vida musical de la corte, transformando los teatros de Aranjuez y el Buen Retiro, montando óperas, diseñando escenografías, etc.

Fue la propia reina quien le sugirió al monarca Fernando VI que hiciera venir al pintor Jacopo Amigoni, cuya amistad con el músico databa de años atrás, quien pasó a convertirse en pintor real y es el autor de la Obra invitada que se podrá disfrutar en el Museo desde el 11 de febrero al 8 de mayo de 2022.

Retrato de Carlo Maria Broschi, Farinelli, de Jacopo Amigoni

Retrato de Carlo Maria Broschi, Farinelli, de Jacopo Amigoni. Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

MARÍA JESÚS RODRÍGUEZ. EN UN ABRIR Y CERRAR DE OJOS

María Jesús Rodríguez (Oviedo, 1959), es uno de los indiscutibles referentes en activo para los artistas asturianos de muy distintas generaciones. Un referente tanto en lo estético como en lo ético, pues el respeto que se ha ganado su trabajo desde que realizara sus primeras exposiciones individuales, hace cuatro décadas, es equiparable al conseguido con su innegociable posicionamiento profesional y su propia actitud vital. La escultora ha ido conquistando progresivamente una suerte de distanciamiento con respecto a la escena artística de nuestros días, manteniéndose ajena a la sucesión interminable de modas, a las estrategias curriculares o del mercado, y sobre todo a las urgencias que cada vez más imponen en el terreno artístico una pátina frívola, cuando no banal en el peor de los casos.

El Museo de Bellas Artes de Asturias organiza la segunda gran muestra dedicada a un artista asturiano contemporáneo siendo, en esta ocasión, la gran protagonista María Jesús Rodríguez, nombre indiscutible del arte asturiano de las últimas décadas.

La muestra, comisariada por Óscar Alonso Molina, estará presente en la pinacoteca asturiana del 24 de marzo al 12 de junio, en la planta -1 del Edificio Ampliación.

El montaje de la exposición organiza la cronología de las obras de una manera abierta, evitando la rigidez de la mera secuencia histórica lineal, de tal modo que el espectador podrá seguir el desarrollo secuencial operado en el trabajo de la artista por núcleos de trabajos coetáneos, al tiempo que podrá establecer por sí mismo conexiones y paralelismos, saltos en el tiempo, reflejos y ecos entre momentos distantes en su producción. De esta manera el visitante comprobará cómo las preocupaciones de María Jesús Rodríguez, aun formalizándose de manera muy diversa con el paso de los años, han girado desde el principio y hasta el presente en torno a un puñado de intereses, tratados en cada momento de manera distinta. Tales saltos diacrónicos, que como lapsus o dejá vu nos van a llevar atrás y adelante en el tiempo, dan pie al título de la muestra. Porque es en un abrir y cerrar de ojos que han pasado esos cuarenta años, y porque en ese instante, con su paciencia infinita, con su discreción y suave constancia, con su silencio, María Jesús Rodríguez ha llegado tan lejos sin moverse de su sitio.

María Jesús Rodríguez, En un abrir y cerrar de ojos

María Jesús Rodríguez, En un abrir y cerrar de ojos

María Jesús Rodríguez, En un abrir y cerrar de ojos

PABLO ARMESTO. EL COLOR DEL TIEMPO

El color del tiempo es un nuevo proyecto específico creado por un artista contemporáneo, en esta ocasión, Pablo Armesto (Schaffhausen, Suiza, 1970), para el patio y las salas de la planta baja del Palacio de Velarde.

Armesto ha planteado esta propuesta específica desde la transversalidad de las disciplinas, mediante hibridaciones entre la pintura, la escultura y la instalación. En este sentido, para el artista la importancia del arte va más allá de la técnica y el soporte, siendo esa experiencia la que enriquece emocionalmente y transforma. Así pues, El color del tiempo es una propuesta que plantea una experiencia única y personal de un tiempo y del color que marca ese tiempo.

El Color del tiempo es pues, el reflejo teórico y estético de varios conceptos que siempre han estado presentes en la obra de este creador gijonés y que en la muestra del museo regional se relacionan entre ellos de un modo más explícito.

La exposición estará presente en el Museo de Bellas Artes de Asturias desde el 8 de abril hasta el 26 de junio y podrá disfrutarse en la planta baja del Palacio de Velarde.

 

Especificación de la línea azul, Pablo Armesto

Especificación de la línea azul, Pablo Armesto

50 OBRAS DE LA COLECCIÓN ABANCA

La Colección de arte ABANCA está conformada por más de 1300 obras de artistas y épocas muy distintas, hecho que la convierte en una de las colecciones de arte contemporáneo más importantes de Galicia y, por extensión, una de las más destacadas de España.

Del copioso fondo se han seleccionado cincuenta piezas que conforman lo más granado del arte del siglo XX, tanto a nivel nacional como internacional, para dar lugar a la muestra 50 obras de la Colección ABANCA que estará presente en el Museo de Bellas Artes de Asturias desde el 14 de octubre de 2021 hasta el 16 de enero de 2022.

Las obras que conforman esta importante muestra permitirán al visitante hacer un recorrido por lo mejor de tres de los movimientos de vanguardia más importantes de la pasada centuria: cubismo, abstracción y surrealismo. A ellos se suma, además, una selección de lo más destacado del arte español de los años cincuenta hasta el final del siglo XX, en la que se encuentran representados los principales movimientos y artistas que lo protagonizaron. Así, creadores como Picasso, Braque, Léger, Kandinsky, Klee, Dalí, Ernst, de Chirico, Miró, Torres-García, Maruja Mallo, González, Vicente, Guerrero, Oteiza, Chillida, Millares, Saura, Equipo Crónica, Sicilia, Campano, Broto, Barceló, Leiro, Juan Muñoz, entre otros, serán algunos de los nombres que se verán en esta muestra.

Con motivo de la exposición se editará un interesante catálogo, así como un folleto de mano. Acciones que se verán enriquecidas con otro tipo de actividades como conferencias, visitas guiadas y talleres para todos los públicos.

La muestra podrá disfrutarse en la planta -1 del Edificio Ampliación desde el 14 de octubre hasta el 30 de enero de 2022.

Laughing Chinese man with mirror, Juan Muñoz, 1997.

Les roses sanglantes, Salvador Dalí, 1930.